[收藏]關于愛音樂的人作文精選7篇。

在日常中說到作文，大家一定都很熟悉，作文的主要素材來源于我們對生活的觀察和感悟。以下是讀書筆記吧的編輯為大家整理的“關于愛音樂的人作文 ”。希望本文對您有所幫助！

關于愛音樂的人作文(篇1)

關鍵詞：音樂；繪畫；關聯；印象主義；表現主義

摘要：音樂與繪畫是兩種不同的藝術門類，但兩者存在著許多關聯之處，涉及到藝術家身份的關聯、觀念上的繼承、理念上的認同等等。既然它們同屬于藝術就一定存在著共同之處。

音樂既是聽覺藝術，又是時間藝術，還是動態藝術，它在一定的時間里，以樂音和噪音的持續運動來表現自己，它以音響在持續或間斷的運動中體現著“以聲表情”、“聲情并茂”的藝術形象。音樂可以說是心靈的藝術，它通過音響來表達感情或形象，使欣賞者的心靈產生或震撼、或愉悅、或平靜、或心潮澎湃等等各種各樣的感受，并以引出欣賞者在情緒上的共鳴為己任。

繪畫是視覺藝術、空間藝術，也是靜態藝術。畫家將線條、色調及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的圖形，從視覺上給觀賞者以強烈印象，并引起各種情緒的反映，產生審美刺激。

音樂與繪畫各自通過不同的媒介物、用不同的藝術表現手段，向人們傳達著作者所要表達的內容和情感。音樂與繪畫是兩種截然不同的藝術形式，如果論及它們之間的關聯，不得不先論及藝術家身份的關聯。

一、藝術家身份的關聯

許多藝術家本身既是音樂家又是畫家，如康定斯基、勛伯格、達芬奇等等。

康定斯基（WassilyKandinsky，1866—1944）是俄國表現主義繪畫的代表人物之一，他同時又是一位精通音樂的人，他與表現主義音樂的代表作曲家勛伯格（A。Schoenberg，1874—1951）交好，并特別喜愛聽勛伯格的作品，在聽其管弦樂時常會感到“眼前有如亂發一樣的無數的線條在狂舞”。由于康定斯基本人也可說是音樂家，故而其繪畫作品接近音樂的性格，他以暴風一樣的激情的情感、火焰般的強烈色彩、表現內心的感動，并賦予色彩、畫面以音樂性，如他的《浪漫的風景》，描繪了幾匹從山坡奔馳而下的馬，騎者被彈的很高，那激烈運動的色點、具有動感的大色塊、以及橫穿畫面的斜線，如同被演奏著的一首奔放的交響曲；在其《連鎖》中，二十多個相似而又獨立的生命體，色彩鮮艷、整齊規律地排列在一齊，有如音樂作品的結構，其整個作品體現出被凝固著的又仿佛流淌著的動人旋律。

康定斯基的繪畫接近音樂，用仿佛音樂般的線條與色塊來表達自己的內心世界，他將繪畫作品賦予了音樂性的效果。他把色彩作為鋼琴鍵盤、將線條作為弦樂、各種不同的構圖當作銅管，制造出了動人心魄的“交響曲”。他對音樂的熱愛，通過他的繪畫作品淋漓盡致地表達出來。

康定斯基的好友作曲家勛伯格同時也是一位畫家，在勛伯格的音樂作品中，如弦樂五重奏《升華之夜》、獨唱劇《期待》、配樂說唱《月迷彼埃羅》等等，都以各種音樂手段（如無調性的旋律、十二音的構造、音樂的織體等）體現著他對生活的感受和對社會的思考，同時，也呈現出強烈的畫面感。他常常將自己對繪畫的熱愛（自然，他也有許多繪畫作品），用強烈的刺激的音樂音響表達出來，有意嘗試將表現主義者在繪畫方面的心得，轉介入音樂之中。

眾所周知，達芬奇（（Scuola Leonardo da Vinc，i 1452 —1519）也是位同時通曉繪畫與音樂的藝術家，他認為音樂雖然是聽覺藝術，但它與繪畫有許多相通之處：

一、音樂與繪畫都有節奏；

二、音樂與繪畫同樣有比例關系；

三、音樂與繪畫的美感完全建立在各自部分之間的的相互滲透。他的見解得到眾多藝術家的認同。

正由于如此，使音樂與繪畫著兩種不同的藝術在許多地方體現出意念或概念上的趨同。就以印象主義為例，也證明著印象主義音樂與繪畫在觀念上的繼承。

二、印象主義音樂與繪畫在觀念上的繼承

印象主義音樂是19世紀末法國作曲家德彪西（Achille—Claude Debussy， 1862—1918）首創的一種音樂風格，然而音樂上的印象主義卻是直接來自于繪畫上的印象主義。19世紀末的畫家馬奈（EdouardManet， 1832—1883）、莫奈（ClaudeMo—ne，t 1840—1926）、修拉（Georges Seurat， 1859—1891）等人的作品打破了古典的作畫風格，避開了寫實的畫風，而創作出對一瞬間的光色、氣氛的感覺與印象、以鮮明跳躍的色彩替代幾百年以來深沉、灰暗的醬色調的畫風。印象主義繪畫直接觸動以往既定的審美模式，而開啟20世紀現代美術的先河。作為對一切新鮮事物一場感興趣并熱愛繪畫藝術的德彪西，為這種新穎的畫風所影響，以管弦樂序曲《牧神午后》，創立了印象主義音樂的音樂流派。

印象主義音樂繼承了追求感官印象描繪的特征，用音樂來表現作曲家通過聽覺、視覺、幻覺甚至是嗅覺所捕捉到的對自然現象、景物、人物等的感覺和印象，如同印象主義繪畫那般，放棄傳統音樂中那嚴密的組織和理性、邏輯性的結構形式，其音樂被作曲家以自由抒發的靈感式的傾訴變成了模糊、隱綽、松散的輪廓，音樂語言發展成虛無飄渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家，他不固守傳統，同印象派畫家和象征派詩人交往甚密，并繼承了他們的思想觀念。德彪西的音樂不以旋律為生命，而以片斷、零碎的形態，偏離大小調的音樂體系，削弱和聲的功能性而增加其色彩性的音樂特征，使印象主義音樂呈現出新穎、雅致、清新、靈巧、缺乏音樂發展所固有的內在動力的品質。他以這種音樂風格體現著印象主義繪畫風格的觀念：在從透明而重感官的結構里激發起理想中的境界，自然景物或人不再是表現的重心，而強調光與色的效果；不著重表現具象與事物的本質，而注意自然界光色變化和瞬間運動感，體現著朦朦朧朧夢一般的印象。如同印象主義繪畫一樣，印象主義音樂常常在作品內容的選擇上脫離現實世界的題材，專注于光影的游戲和愉悅的性格和能給人感官享受的事物，它把以音樂的豐富色彩呈獻給大家，發展了音樂詩意的感情與氣氛，并常常醉心于個人的藝術天地，甚至有點孤芳自賞的意味。

印象主義音樂是在觀念上對印象主義繪畫的繼承，它打破了以往傳統的作曲方式，成為了20世紀現代音樂的橋梁。印象主義音樂于繪畫的關聯，直接或間接地影響到表現主義音樂與繪畫在理念上的認同。

三、表現主義音樂與繪畫在理念上的認同

“表現主義”（Expressionism）一詞首先出現在1911年德國的《狂飚》雜志中，它是在第一次世界大戰前出現在德國的一種藝術流派，表現主義針對印象主義對自然和現實的模仿與再現，主張藝術要直接表現思想的本質、內在的靈魂，強調藝術的表現力和形式的重要性，反對機械地模仿客觀現實，作品中體現出機械文明壓制人性的強烈不滿。表現主義藝術流派首先出現在美術領域，再而影響到音樂。

表現主義繪畫的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基為代表的表現主義畫家反對學院派自然主義的古典風范，主張不應機械地模仿客觀現實，主張用以線條與色塊體驗人類思想的本質，并以個人對主觀感情來取代視覺的感受。正是由于理念的趨同，使作曲家勛伯格深受表現主義繪畫的影響，勛伯格與其兩位弟子貝爾格、威伯恩創立了音樂上的表現主義。表現主義的作曲家們用自己的心靈感受到德奧現實生活充滿著丑惡和痛苦時，他們的音樂便以抽象、夸張、扭曲、怪誕的筆法對現實進行變形的描繪，用夢魘、幻覺來影射客觀世界，用刺激、不協和的音響來揭示心靈的孤寂、恐懼、絕望乃至瘋狂。

無論是表現主義的音樂或是繪畫，其創作風格與技法，都突破了傳統，并引起藝術界的強烈震蕩。勛伯格在進行表現主義音樂實驗的初期，一直處于高度的緊張氣氛之中，其作品受到如同表現主義繪畫一樣的待遇：讓人一時不能理解，也無法接受。其作品的每次上演，都會引起聽眾的一片譴責，即使是晚期作品，也不是那種讓聽眾為之愉悅，為之共鳴的音樂，因為，表現主義音樂突出的特點是無調性（atonality），其使用的作曲手法是前無古人的“十二音體系（twelve—note system）”，這種作曲體系掀起了“不協和音的解放運動”，使歐美音樂界（尤其使作曲界）受到了前所未有的沖擊，并引起震蕩。在他死后，其音樂也存在著爭議的評價。

表現主義繪畫在表現主義音樂之先面世，自然，同樣是憤怒的反應，而后是漠然，直至得到寬容。康定斯基以一種病態的畫面，發泄著對資本主義罪惡的憎恨和因社會危機而引發的在情緒上的恐怖和苦悶。他對色彩“內在音響”的體驗，以及色彩和音樂律動同一性的理解與高度敏感，使表現主義繪畫具有一種音樂性般的藝術效果。

表現主義音樂與繪畫的同一性在美學思想上達到了高度的統一：共同體驗著社會的動蕩、不安，表現著對現實的不滿、恐懼，表達出對印象主義音樂或繪畫那追求光、色一瞬間的印象，及模模糊糊地反映被描繪的事物所散發的氣氛，以及充斥在音樂與畫面間的那迷離、朦朧、神秘意味，主張與傳統徹底決裂，以幾乎變態的理性來反映客觀現實帶給人們的強烈壓抑的精神、思想、信念的本質。

表現主義音樂對表現主義理念的認同，在某種意義上是印象主義音樂對印象主義繪畫觀念上的延續。因為，音樂與繪畫的密切關聯，在歷史的不同時期都有著或多或少的顯現。音樂與繪畫的關聯不僅表現在同一類型的流派之中，甚至表現在不同藝術流派之間，某種流派的作曲家也會受另一種繪畫風格的影響，諸如威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫。

四、威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫

威伯恩（A。werbern， 1883—1945）是勛伯格的學生，是表現主義音樂的代表人物之一，他追隨勛伯格步入十二音技法領域，并發展了勛伯格的音樂風格，將勛伯格創立的十二音體系推向序列音樂，他提供了一種“方法”，加強對音高組織的控制，還對音色、時值等要素作出相應安排。他全部的31首音樂作品具有高度集中、濃縮、簡練、主觀、抽象、簡潔的風格，將“純音樂”推向顛峰。在他后期作品中，缺少傳統音樂所特有的線條感，而以單音或是多音，以不同的色彩乍似毫無關系地連綴在一起，造成漫無章法、毫無表情的音響感，然而，他由十二音推向序列音樂的音樂作品，有極強的內部組織的嚴格次序，呈現出高度理智而客觀的風格。這種音樂多以點對點、塊對塊音響連接的風格，與印象主義后期的“點彩派”繪畫存在有許多相似的理念。

“點彩派”的代表畫家是法國的修拉（Georges Seurat， 1859—1891），他的代表作油畫《大碗島上一個星期的下午》由無數個紅、黃、藍、白單色的小點構成，產生畫面朦朧、迷離的意境。點彩派畫風以法國化學家舍夫略里關于色彩協調理論《色彩對比論》為理論基礎，用紅、黃、藍、白四種原色作不同組合，讓觀眾眼睛自行調動而看感到流光異彩的畫面。點彩派用這種所謂科學的、嚴格的色彩和筆觸，代替以往印象派畫家的那種富有感情的色彩和生動瀟灑的筆觸，比馬奈、莫奈的畫作更忽略作品的內容而單純追求所謂科學的色彩與形式化。修拉的畫風被稱為“點彩法”，而威伯恩那缺乏旋律線條的作曲方法則被人稱為“點描法”，它與“點彩派”繪畫有類似的理念。音樂上的“點抽法”突出的特征是將完整的旋律縱向分配到多個樂器或樂器組來演奏，而以短小時值的音符相連接，形成濃縮的曲調線條，其跳動大的音程，表示旋律線的突凸，反之則柔和，以這種短小時值的點構成的組合，構成威伯恩音樂的主題，并由點對點的短音符在不同樂器或單一樂器不同音區的呈現，構成整部音樂。

“點描法”的音樂與“點彩”派的繪畫在以點組成藝術的理念上，達到心有靈犀的藝術關聯。威伯恩的“點描音樂”以各種不同音色，不同位置的音響的“點”的時疏時密的跳動來構成其旋律，它拒絕傳統音樂那悠長的旋律線條，“點彩繪畫”由一點一點純色的“點”，構成復雜的畫面；“點描音樂”拒絕傳統音樂簡單地抒發作曲家個人的主觀情感，而以嚴格的序列控制作為新的作曲手段，“點彩繪畫”同樣追求色彩理論的原理，將理性的色彩組合看得高于一切。他們共同的理想都是要創作出不同于以往形式的藝術作品，在創新意識上使兩者都走在同一個更為注重形式感的藝術創造的道路上。威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫不屬于同一名稱的藝術流派，前者屬“表現主義”的范疇，后者是印象主義的延續，然而，分析兩種風格的兩種藝術在理念及手法上的關聯，使人產生了極大雷同的印象，擬或可說有“同工異曲”之妙的藝術效果。于是，我們說音樂同繪畫存在有必然的關聯。

五、音樂同繪畫存在的必然的關聯

音樂與繪畫不屬于同一種藝術形式，它們有各自不同的特征與表現手段。然而，它們又同屬于“藝術”這一范疇。既然同是藝術，那便會產生千絲萬縷的聯系。

康定斯基早在1912年就指出兩者之間的聯系：黃色具有不斷向上的“超越”，從而達到使眼睛和神經均無法承受的的功能，而當一只小號所發出的聲音，變得越高越尖銳時，以至于刺痛耳朵和神經；而藍色，則具有“超越”相反的力量，它把眼睛引向無限的深度，因而，發出類似長笛般的聲音（當深藍色時）、或低音提琴的聲音（當深藍色時）；在彈奏管風琴低音鍵盤時，你能“看見”深深的藍色；綠色非常接近大提琴纖弱的中音區的音色；而紅色在使用得當時，它給人以強有力的擊鼓的印象。

于是，我們可以這樣認為：大氣和光的振動相成了聲音和色彩之間的物理相似形，便造成我們所感覺截然不同的“音樂”與“繪畫”之間的關聯。作曲家和畫家都能運用不同的“音調”或“色調”，創造出同一種或溫暖或凄涼或熱情或呆滯的共同感受。

音樂與繪畫的關聯，具有審美功能，引發欣賞者的喜愛，并引起人們在情感或情緒上的共鳴、得到人們的賞識，是音樂與繪畫的共同目的。音樂與繪畫有各自己的表現手段與媒介，但兩者都不同程度上浸透了認識因素與教育因素，它們以各自不同的藝術表白方式，給予欣賞者在心理上、感知上獲得效果各異的認識作用與教育作用，只不過這些作用反映在不同的藝術領域和不同的形式之中罷了。所以，各門藝術存在著相互浸透、相互關聯的現象，音樂與繪畫也是如此。藝術就是這么神奇。各門藝術實際上存在有或多或少的必然聯系，因為它們同屬于“藝術”的范疇。音樂與繪畫有各自鮮明的個性，然而，它們又存在著那么多的必然的關聯。

關于愛音樂的人作文(篇2)

聽著“新秀網”上播放的曲子《星空的旋律》，竟情不自禁地打起節拍來，優美的旋律、緩慢的節拍，體現了一種寧靜的氣氛。沉迷于網絡的我，不由自主的按下“文件”中的“另存為”，急切地想把它下載到軟盤（A：）中。

這就是音樂的魅力嗎？

小時候，聽過不少世界名曲，年幼的我，竟也聽得如癡如醉，慢慢地愛上了聽名曲。

能夠使我靜下心來的，也只有音樂了……

不久前，又聽到了一首《美少女戰士》插曲，喜上眉梢，忙提著錄音機把它錄了下來，結果曲子到是錄下來了，錄音機卻因為我的錯誤操作“報廢”了，弄得我被父母一頓臭罵。

“錄音機事件”鬧得滿城風風雨雨，爸媽索性把我錄下來的東西統統送人，氣得我一連三天臉上都是陰天。

“音樂是人類共通的語言。”著是巴赫說過的一句話，他說得沒錯，音樂，能把人們的心牽到一起，讓人們心連心。如果這個世界上沒有“音樂”這個詞，世界將是死氣沉沉，沒有一絲光明。

關于愛音樂的人作文(篇3)

在世界音樂的課堂上講授地理、民俗等其他知識點時，總有學生懷著質疑的目光問“這是音樂課的內容嗎？”好像脫離了音樂本體，脫離了和聲曲式的音樂，那還是音樂嗎？從世界音樂的許多教材和專著上都或多或少有關于自然環境、歷史淵源的章節，然而對其與音樂的關系、淵源的講解并不多見，其實每一個事物之間的關聯都是一張網，互相制約與影響，在世界音樂的課堂上，我建議應加強對以下幾個知識點的講授：

一、加強對自然地理、生存環境的了解

有關世界音樂的絕大多數專著、教材中，自然、地理知識總是沒由來地獨成一章，與后面的民族音樂的章節略顯脫節。然而事實上，自然環境是人類賴以生存的客觀基礎，影響著人們的日常生活、娛樂審美等，甚至是繪畫、音樂等。尤其是在各民族傳統的樂器中，常常可以看到其材質、音響效果與當地風土人情、自然結構的密切關系。例如：在東南亞等氣候濕潤的適合竹子生長的環境中，當地人民往往就地取材，利用竹子制作出大量的生活用品，甚至是樂器，如流行于東南亞地區的一種搖奏和擊奏樂器——安格隆。所以，在世界音樂的課堂上，除了對音樂本體的介紹之外，我們還應介紹當地自然環境對人們性格的塑造，對文化的形成，以及對音樂種類產生的影響，甚至是對音樂審美追求的影響。自然環境不能僅僅作為一個獨立的章節，這樣既脫離了世界音樂教學的主旨，學生也不容易在這個部分找到認同感，所以此章節其實是非常重要的一環，也是其他音樂學科所匱乏的一面，將整個文化連接起來，讓學生對文化的整體把握，更有利于學生的世界音樂學習。

二、加強對建筑史、美術史的了解

學習音樂專業的學生，應該認識到美術、建筑等藝術文化對音樂的影響。音樂的風格往往不是跳脫于當地的美術、建筑等藝術特征，而是相互影響，如我們所熟知的巴洛克音樂，“巴洛克”一詞的原意是指形狀不規則的珍珠，是指一種藝術形式，這種藝術風格盛行后，被人稱之為巴洛克時期，而這個時期出產的音樂作品就稱為巴洛克音樂。“巴洛克”一詞最早用于建筑藝術中，批評建筑師把更適用于金盒子和餐具等小物品的裝飾用到大型的建筑裝飾中。建筑風格特點是規模宏大，大量采用圓柱、圓頂和大量精細甚至奢侈的裝飾。巴洛克風格不僅影響了美術而且還影響很多其他的藝術領域，音樂大致承襲了同時期其他的藝術風格，也富有華麗、裝飾、壯觀等傾向。是來自于建筑，建筑中的雕刻等繪畫又常常有樂器的身影，在世界音樂的課堂上，老師應該作為一名引路人，帶領學生去探索這條未知的且充滿情趣的道路，而不是像導游一樣，帶著學生走馬觀花，掠光浮影。世界音樂與各類藝術的豐富內容，應該被進一步地探索發現。

三、加強對歷史、戰爭的了解

為什么對于學音樂的同學，歷史、戰爭等相關知識也應該有所了解呢，我認為，只有對此民族的前世今生有所認知，你才會明白為什么他的音樂呈現如此的樣子。比如北美音樂中的爵士、藍調，拉丁美洲的雷鬼音樂等，隨著流行音樂的大興旗鼓而被全世界的年輕人推崇，事實上，這些音樂的來源都離不開被當做奴隸販賣到美洲的非洲黑人，例如：藍調（blues）就是由美國黑人創造逐漸發展起來的，眾所周知，美國黑人的先人都是從非洲販來的黑奴，從登上美洲大陸伊始，就一直用血和淚書寫著黑人的苦難史，直到現在，黑人的飽受歧視、貧苦不堪的命運依然沒有結束，一直以來，他們用歌聲來傾訴心靈的創傷，聽來非常憂愁哀怨，與英語中“blues”（藍色）一詞所帶來的“憂郁”情感基調相符合。這樣的歷史是許多同學沒有學習或了解到的內容，增加這個部分的了解后，才能使學生深刻地感受到音樂背后的意義，體會不同音樂所帶來的情感體驗。才能加深對各民族音樂文化的理解。

四、加強對禮儀、風俗的了解

各國的不同禮儀風俗除了對人們日常生活產生影響，也影響了對音樂、樂器的產生和使用。一如在東南亞的代表性音樂形式“甘美蘭”，單看樂器種類不算豐富，材質也大多是銅質、竹質的打擊樂，但其在東南亞最初的使用場合多用于宗教儀式和各種慶典，如巴厘島的甘美蘭樂隊常用來作為進場曲和散場曲使用，樂曲亦被視為神圣的，能夠趕走邪靈，所以這些樂器被認為是有靈性的、有神明附著在此，人們不可跨越樂器，如果不尊重樂器，也就意味著對神靈的褻瀆。所以在教學過程中，不可忽視的是對東南亞宗教信仰、民風民俗、禮儀規范的了解，理解音樂本體之外，也需要讓學生明白這種音樂類型的文化背景。才能充分理解和尊重各民族、各國家的文化與音樂。

參考文獻：

[1]王耀華,王洲編著.世界民族音樂[M].人民教育出版社,20xx.

關于愛音樂的人作文(篇4)

音樂，是一種藝術。我認為它是所有藝術中最絢麗的，因為她可以觸動我們的靈魂。當高漲的情緒得不到宣泄的時候，聽聽音樂，一切煩惱就都煙消云散了，而生活又變得美妙起來。

現在的人們，常常背負著各種問題和壓力。他們整天灰頭土臉的生活，迷茫在城市的海市蜃樓下，不在乎每天的感受，慢慢地，都變成了千篇一律的機器，籠罩著陰郁。而音樂，正是讓他們恢復往日鮮活的一劑良藥。

不知道是音樂如心情，還是心情如音樂！也或許音樂與心情融為了一體！人與自然也融為了一體！音樂本身就是生活——生活也就是音樂。

音樂可以凈化人的心靈，沉浸于音樂世界的人心胸往往比較開闊，感情比較細膩，情緒比較平穩，更能體會別人的心情，因此比較容易與人相處。同時，他們更容易感受到生活的樂趣，熱愛生活。

音樂是一位好老師。它會將你的心靈從喧囂和冗雜之中帶出，帶到一片靜土，使你那煩躁的心平靜下來。音樂是你開心時的朋友，音樂也是你失意時的伙伴。

音樂可以充當太多真善美的角色，在生活中它的作用也是不可或缺的。它是人類陶冶情操的良方，是文明傳播的階梯。讓音樂走進每個人的心靈，去領悟那最美的真諦，感受人間真情的律動！！！！

——讓音樂走進心靈！

關于愛音樂的人作文(篇5)

每樣東西都有不同的優點。每一件事都令人陶醉。音樂，讓我陶醉，問我為什么？正因為音樂有它獨特的魅力，使我陶醉，使我堅強和勇敢，這使人做白日夢，就像美麗的月光，音樂使我。

當我和同學吵架，互相吵架的時候，我陶醉在那首美麗的歌謠“友誼地久天長”中。音樂有一種力量促使我與朋友相處融洽，這就是音樂的魅力。每當我想念它，擔心它，“擔心”這首歌也會在我的耳朵里響。我喝醉了，我的眼淚會掉下來。這首歌里的每一個字都讓我感觸很深。這就是音樂的力量。每當我委屈，難過。當我悲傷的時候，“夜晚當星星哭泣”這首歌不斷地在我的耳朵里回響。我將仰望群星，告訴自己不要再哭泣，要向群星學習，努力閃耀，不要悲傷。每當我在學習中遇到困難時，我都會聽到“放開自己”這首歌，我也會學會放開自己，努力沖刺，戰勝困難，勇敢前行。

關于愛音樂的人作文(篇6)

摘 要：中國一個悠久的國度，有著深厚的文化底蘊，在飽經滄桑的日子里依舊用歌聲記錄著歲月變遷，如今隨著我國經濟腳步的發展，對于政治和文化的影響日益深遠，而民族音樂做為藝術文化的重要組成部分，其思想內容和情感狀態也不斷升華，烙印上社會生活的影子，這是

關鍵詞：民族音樂賞析論文發表

中國一個悠久的國度，有著深厚的文化底蘊，在飽經滄桑的日子里依舊用歌聲記錄著歲月變遷，如今隨著我國經濟腳步的發展，對于政治和文化的影響日益深遠，而民族音樂做為藝術文化的重要組成部分，其思想內容和情感狀態也不斷升華，烙印上社會生活的影子，這是我國各民族共同擁有的寶貴財富。但是在經濟全球化的今天，我們不僅僅要將民族音樂傳承下來，更要將其發揚光大，站在世界的角度以開放的心態去審視民族音樂，不斷對其進行創新和發展。

一、民族音樂的發展現狀

有人把音樂比作清泉，可以滋潤心靈，帶給人美的享受。中國是一個多民族國家，每個民族都有自己獨特的文化藝術，每個民族的音樂也別具風情，正是這樣的差異才有了內容豐富的民族音樂，從夏商周時期，對聲律的重視就可見一斑，至唐朝音樂更是達到一定高度，時至今日民族音樂依舊活躍，依舊洋溢著鮮明的藝術生命力。但是隨著“地球村”的不斷擴大和發展，外來文化的出現對民族音樂的沖擊也不斷加大，外來音樂的獨特風格逐漸吸引人們的注意，一些“爵士樂”“架子鼓”等多樣的音樂風格和樂器開始在國內市場打開一片天地，越來越多的年輕人開始忽略民族音樂，各種選秀節目也是充斥著藝術市場，使得幾千年來的民族音樂正受著流行音樂的沖擊，這是不得不讓人覺得遺憾的，也是值得我們去思考和改變的。只有將民族音樂放在正確的位置上，重新去認識其中的精神內涵，賦予新的時代解讀，才能讓其煥發生機。

二、發展民族音樂建議

(一)強化民族文化的繼承與發展

我國的音樂歷史悠遠，是勞動人民在生活實踐中創造產生的，具有豐富的文化內涵的社會意義，是中華民族精神的特殊符號，是藝術表現形式的特殊載體，要想讓這種精神文化繼續傳承下去需要我們加強對民族音樂的保護，通過深入對民族音樂的研究和學習，重新去詮釋音樂內涵，讓其符合現代審美趨勢，去鼓勵人們主動積極的了解民族音樂，讓其更具有生活氣息，可以通過不同的民歌下鄉活動，不同的民族音樂研討會，加強對民族音樂的傳承，讓民族音樂在社會生活中有新的活力。

(二)強化民族音樂的弘揚

民族音樂是我國藝術寶庫中絢麗的一筆，可以說隨著時間的發展沒有被淘汰反而沉淀下更深厚的底蘊是有一定理由的，他有著自己獨特的一套發展體系，有著獨特音質、語言結構內容，在認識到這些的基礎上，我們在對待外來文化的沖擊下不可去全盤否定民族音樂，音樂具有多元化，無論哪種音樂文化都具有獨特的藝術魅力，只有正確的認識我國音樂上存在的不足，不斷去改進民族音樂才能使民族音樂得以繼續發展。要想使民族音樂不斷發展需要大家共同的努力，可以由上而下，由學校到社會共同宣傳，例如在校舉辦歌友會，鼓勵學生接觸不同的音樂類型，在比較中感受民族音樂特殊韻味，也可以在社區展開各種活動，讓孩子、家長多些接觸民族音樂的機會，讓音樂走進生活中，這樣才能起到一個弘揚的作用，但對于民族音樂的繼承不是一朝一夕的事情，無論是學校還是社會都要堅持做下去，當把宣傳變成一種習慣，正確對待外來文化的碰撞，用開放接納的心態來看待民族音樂，那民族音樂也會在世界舞臺上走的更遠更久。

(三)強化民族音樂資源創新

要想使民族音樂始終保持活力，必須要進行不斷的創新，在加大宣傳力度的同時，對于音樂資源的重新整合和創新也必不可少，隨著人們對審美需求的不斷提升，在音樂欣賞上的需求也不斷擴大，很多時候我們將視覺和聽覺分開了，其實這是統一的，在現如今可以學習流行音樂的變達方式，結合音樂背景，在保持民族音樂的原汁原味同時豐富其表現形式，或者將民族音樂在保持原生態基礎上進行改編，運用多重的變達方式去展示。很長一段時間里，在傳統的民族音樂教學中只重視其音樂這一本體，但忽視其表達載體樂器，做為傳輸音樂的主要載體，其重要性不可忽略，不同的樂器可以表達不同的音律和情感，不同的音律也可以帶給人們不同的審美體驗，在我國民族器樂形式多樣，各具特色，這就要求我們在教學中去運用，不是單單靠某一種樂器去表情達意，而是運用多種手段讓學生，或者聽眾可以感受到這些民族樂器的不同和魅力，充分去開發和利用民族音樂的資源，讓他們發揮出自身的魅力，為民族音樂添上濃墨重彩的一筆。

三、結語

音樂是沒有國界的，要想使中國民族音樂得以不斷發展，必須要在立足本土的基礎上突破創新，走向世界。這是需要我們共同去努力的，這樣才能使民族音樂永立世界之林。

關于愛音樂的人作文(篇7)

從俞伯牙的《高山流水》巍峨壯闊，到嵇康的《廣陵散》悲愴凄涼，從貝多芬的《月光》皎皎流霜，到李斯特的《鐘》聲清朗悠長……無論何時，無論何地，音樂從不吝于給予我們饋贈，總有一支旋律于不同時刻與心靈共響。

音樂是美的，它不同于繪畫、書法、雕塑可見可觸，音樂常常是不可捕捉于掌心的，唯一物質的存在不過是那幾行外行人眼中感覺奇異難懂的符號，然而它確實是美的，它用音符，用旋律在人們腦海中憑空繪出一幅幅綺麗的畫卷，有戰時硝煙四起的壯麗沙場，有春泉破冰涌動的叮叮當當，亦有暮秋滿地的落葉金黃……音樂描繪畫面，畫面使我們看見音樂，在旋律世界中，我們隨手擷芳，在美的世界中無限徜徉。

音樂是永不過時的通用語言。陳丹燕寫到，她在佛羅倫薩的黃昏時刻，站在廣場邊等待友人，一隊手攜不同樂器的當地人走來，在廣場中央的噴泉邊奏響樂章。沒有文字，沒有語言，只有那一個個跳躍的音符，一串串歡快悅耳的旋律，無需交談，無需詢問，不同種族不同膚色不同語言的人們不約而同圍上前去，繞著噴泉跳起舞蹈。谷川俊太郎說：“靈魂在這個世界的故鄉是音樂。”當音樂響起，創作者與欣賞者的靈魂相遇了。伴隨音樂的律動，靈魂嗅到彼此的氣息，相互傾訴與慰藉，心中的噪聲逐漸被悠揚的音樂取代。這便是音樂的神奇之處，人人無師自通，還能借此傳達和交流最真摯的感情，沉浸在音樂之中，我們無須開口，無須解釋，便明白彼此間早已心靈相通，靈魂相依。音樂偉大而不莊嚴，它從不高踞殿堂之上漠視人間，不站在一邊孤芳自賞，更不凝滯幽潭而不涌動，它在不同時間，不同階段，極力迸發其生命活力，打破一切枷鎖，溝通心靈。

音樂最動人之處還是它的力量。音符本身其實并不具備力量，它不像生動的蟲蛇鳥獸，可以盡情展現活躍恣意之美；它不像高山河流，能盡情展現或穩重或靈動之態；它更不像戲劇、舞蹈，能讓人直觀感受到生命的喜怒哀樂。和這些具象的美、力量相比，音符從某種意義上來講是抽象，呆板的。但現實生活中，一個個黃豆芽般簡單的音符拼接成的旋律、曲目，作為傳承和交流的載體，往往在潛移默化中影響著一代又一代聆聽者，并且在潛移默化中讓一個個聆聽者產生心靈上的變化，可以說，音樂的力量，是“潤物細無聲”的力量，它像一股涓涓細流緩緩注入并滋潤我們的心田。

你可以在音樂的世界中覓得春日花，秋山葉；你可以在音樂的山巔一躍而下，潛入旋律的海洋；你可以在音樂的空拍中盤腿而坐，進入沉思的世界；也可以在音樂中找到慰藉與希望的光點，給突然陰郁的自己增添一點飽和度。

在音樂中，我們獲取美，獲取交流的渠道，獲取治愈心靈的力量；在音樂中，我們見自己，見眾生，見天地。

就讓料峭春風為一早守在門口的彩蝶吹開耶路撒冷的第一朵玫瑰，就讓音樂奏響人生的樂章，讓我們在音樂指引和陪伴下，擁抱更寬廣、更豐富、更自由的世界。